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NINGUNA PARTE II, 2016

registro de vídeo de la instalación sonora side-specific "Ninguna parte II" / noviembre 2016 en la Universidad Cooperativa (espacio de aprox. 50m2, paredes intervenidas con acrílico y tinta china, pieza de audio que mezcla sonidos de tormenta tropical con los Alabaos de las Cantadoras del Pacífico

Esta pieza busca reflexionar sobre los conceptos de territorio en el conflicto armado colombiano y la relación que tiene con la pérdida. La instalación side-specific y sonora busca envolver a espectador de forma visceral. El amarillo neón invade la vista y altera la sensación del cuerpo en el espacio. Así mismo el paisaje de palmeras en tormenta tiene la intención de situarnos en otro lugar. El sonido de cantos fúnebres afro-colombianos mezclado con sonidos de viento pretenden llevar al espectador a ese lugar profundo y abstracto donde están las emociones, ese lugar que no queda en ninguna parte.

Como corderos entre hipopótamos, 2014-2016

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Ninguna parte II es una instalación sonora side-specific que incluye la serie "Como corderos entre hipopótamos" del 2014 y fue parte de la exposición "INTERSECCIONES" curada por Rodrigo Echeverri y Maria Alejandra Tapia en la Universidad Cooperativa, Bogotá, Noviembre 2016

Artistas participantes: Liliana Angulo / Fernando Arias / Adriana Ciudad / Rodrigo Echeverri / Saír García / Eduar Moreno /Andrés Orjuela / Libia Posada / Mario Opazo

INTERSECCIONES - Perspectivas estéticas y políticas para la paz

“Sólo una cosa puede decirnos el pasado: lo que queda por hacer” Néstor A. Braunstein

Para este proyecto hemos propuesto un entrecruce de artistas e investigadores, en donde unos y otros, han encontrado ecos de sus propias inquietudes respecto al lugar de la guerra, sus síntomas, causas y efectos. En las últimas décadas, gran parte del arte en el país ha dado cuenta de la violencia como forma de vida del colombiano. En los años noventa, primaron las exploraciones acerca del narcotráfico como referente para la construcción de identidades y subjetividades. Ya entrados en este siglo, los artistas dirigen su mirada, tanto a los factores que explican el conflicto armado como a sus graves consecuencias. En el campo de la investigación académica las indagaciones han tenido diversos momentos. En los años ochenta, fue el análisis de las causas estructurales de la violencia lo que orientó la reflexión. Posteriormente se amplia este marco, considerándose la violencia como un fenómeno social y cultural. Una tercera línea explicativa, surgida en los años noventa, integra la emergencia del narcotráfico en el análisis de las dinámicas del conflicto. Ahora bien, el abanico de temáticas y preguntas sobre la guerra se comenzó a ampliar en este siglo, dando cuenta de un cambio epistemológico, dentro del cual se incorpora la subjetividad en los análisis, esto es, los sujetos implicados, y en particular, las víctimas. Sin proponérselo, y bajo metodologías disimiles, a veces transitando en orillas opuestas, tanto artistas como investigadores confluyen en la inquietud permanente de qué significa ser colombiano en un contexto atravesado por distintas formas de violencia. Así las cosas, este proyecto busca hacer visibles estas intersecciones entre reflexión académica y arte; pero, y quizás lo más importante, dada la coyuntura nacional, lo que se persigue es abrir la pregunta por cómo hacer posible un país sin guerra, y entonces, ¿cuál sería el “objeto” de artistas e investigadores en un esquivo contexto de posconflicto? Esta es una cuestión que verdaderamente convoca a inquirirse si resulta utópico pensar una Colombia sin su referente de guerra, para lo cual nos entregamos a la extrañeza, a lo inacabado, a lo aplazado de ese algo que desconocemos como nación. El conjunto de obras que hoy vemos, aún cuando en su mayoría han sido expuestas en el pasado por separado, al entrar en diálogo, pasan de su singularidad y potencia intrínseca, a dar un panorama de lo que ha dejado este conflicto de más de medio siglo y permiten comprender fenómenos tan complejos como el desplazamiento, la desaparición forzada, las relaciones entre raza, etnia y guerra, el asunto de la memoria y las víctimas, la disputa por la tierra y el territorio, el dilema respecto a los modelos de desarrollo, el cuerpo como espacio de guerra, entre otros.

Maria Alejandra tapia y Rodrigo Echeverri

BAJO TIERRA, 2016

“Un árbol parado vale más que un árbol caído”, dicen los indígenas Shipibos del Amazonas peruano. Desde la mirada de la cosmovisión indígena el valor de una “árbol parado” yace en la sabiduría espiritual y expresión cultural de cada árbol. Para los Shipibos las plantas se comunican entre sí y resguardan la sabiduría de sus ancestros. Del mismo modo los indígenas Vaupés en Colombia creen que cuando el árbol Arco de palo florece es señal de que empezó la época de caza y de siembra.

Para la mirada occidental la idea de que los árboles hablan suena como una fantasía. Sin embargo, un reciente descubrimiento de la bióloga Suzanne Simard comprueba que los árboles se comunican entre sí tal como las culturas indígenas siempre han manifestado. Según Simard, por medio de una compleja red simbiótica entre las raíces y los hongos, que la bióloga compara con el Internet, los árboles intercambian información esencial para la sobrevivencia y gestación de los bosques nativos.

Desde la conquista, la cosmovisión indígena ha sido llevada a la periferia. La modernidad urbana también nos ha ido despojando de nuestras raíces. Esta instalación es una propuesta que reflexiona y quiere sensibilizar sobre la marginalización de nuestra raíces.

EL PESO DEL AGUA, 2016

"El peso del agua" es parte de la exposición "ESPESA SAVIA" curada por Amanda de la Garza en la CASA DEL LAGO, Ciudad de México, Octubre 2016

Artistas participantes: Juan Pablo Anaya / Alberto Baraya / Hernán Barón / Elkin Calderón / Saskia Calderón / Adriana Ciudad / Wilson Díaz / Dick Verdult / Éricka Florez / Laura Huertas Millán / Enrique Méndez de Hoyos / Camilo Restrepo / José Alejandro Restrepo / Alejandro Vásquez

ESPESA SAVIA - Ensayos equidistantes sobre zonas

La exposición revisa los imaginarios sobre el trópico en las obras de creadores de diferentes regiones de América Latina, como Perú, Ecuador, Colombia y México. Busca identificar la forma en que estos artistas interpelan o critican los estereotipos detrás de la idea del trópico y de lo tropical. La palabra trópico tiene origen en la Grecia clásica, describe una ordenación del mundo. Es una metáfora que refiere a una geografía. Sin embargo, la idea del trópico tiene también otros alcances de tipo histórico, ya que a través de ella se puede rastrear la historia de las conquistas y la colonización de América. Los efectos de estos procesos históricos continúan teniendo impacto y repercusión en las realidades cotidianas. Igualmente, las palabra trópico que sigue despertando imaginarios contradictorios y complejos entre distintas regiones del mundo, por estar determinada por el poder, la dominación y la violencia. La forma en que se entremezcla el pasado colonial con el presente se hace visible en gran parte de las obras que conforman esta muestra. El título de la exposición refiere al líquido espeso que emana de la planta del caucho, la misma savia que gotea en los cortes que se hacen a este árbol. La sobreexplotación se esta materia prima en la selva amazónica, en el Sureste mexicano y en otras regiones del mundo, se convierte en una metáfora para hablar de las relaciones coloniales, así como de la forma en que la economía ha transformado determinados territorios e influido en la riqueza y en la pobreza de esta región del mundo. Una realidad que se contrapone a la idea de una naturaleza pura; la exuberancia de la fauna y la flora selváticas se entremezclan con imágenes de la cultural popular, con los signos de violencia y la explotación que ocurren en estas latitudes. En las obras de esta exposición el trópico aparece a través de sus símbolos: el río, el Amazonas, la selva Yucatán, las ruinas en medio de la selva, la esclavitud, la caña de azúcar, el caucho, la plantación del plátano, el paisaje, el espíritu de la modernidad a través de sus vestigios arquitectónicos, cantos indígenas, historias de sublevación indígena, diarios de viajeros y la música tropical. las piezas, en su conjunto, conforman ensayos que intentan aproximarse a las espesa amalgama del trópico.

Amanda de la Garza

El peso del agua / 2016 / instalación side-specific / 22 piezas de suelo en resina, acrílico, espuma de poliuretano y cerámica, 6.5 x 3.5 metros aprox. (medidas variables) / intervención pared con acrílico neón y tinta, 6.5 x 3 metros aprox. (medidas variables)

foto cortesía de CASA DEL LAGO

foto cortesía de CASA DEL LAGO

foto cortesía de CASA DEL LAGO

foto cortesía de CASA DEL LAGO

foto cortesía de CASA DEL LAGO

THE WEIGHT OF WATER (El peso del agua), 2016

"THE WEIGHT OF WATER" es parte de la exposición "NATURAL RESISTANCE" curada por Carlos García Montero en Y Gallery, Nueva York, Junio 2016 Artistas participantes: Shay Arick / Adriana Ciudad / Tamara Kostianovsky

The Weight of Water / 2016 Instalación de pared: El peso de las cosas (The Weight of Things) / 4 dibujos sobre pared (acuarela, tinta y lápiz sobre papel), acrílico y tinta sobre pared / 5 x 4 m aprox. Instalación de suelo: Aguas oscuras (Dark Waters) / cerámica, resina, acrílico y polyuretano / 3 x 2 m aprox.

AGUAS OSCURAS (instalación de suelo) hace referencia a los hipopótamos que siguen procreándose en Colombia. Sí, en Sudamérica hay hipopótamos desde los años ochenta, cuando Pablo Escobar, el narcotraficante, se robó de África tres hipopótamos para su extravagante zoológico. Cuando Escobar fue atrapado y asesinado, su zoológico quedó abandonado y los hipopótamos empezaron a desplazarse y reproducirse. En la actualidad hay más de 70 alrededor del río Magdalena. Además de significar una amenaza para las poblaciones aledañas por lo violentos y territoriales que son, es un problema ambiental serio. Dichos hipopótamos que fueron traídos de África -desplazados de su lugar de origen y llevados a otras tierras- se convierten en una metáfora de aquellos enviados a la selva durante el conflicto armado de Colombia obligados a hacer de este medio tan hostil su cobijo. La instalación de suelo muestra charcos de agua que forman un río y esconden dos hipopótamos en su interior. El agua está oscura, mostrando su peso y valor. Pero también podrían se reflejos del cielo, el universo misterioso, o una realidad bizarra que no llegamos a entender.

Instalación de suelo: Aguas oscuras (Dark Waters) / cerámica, resina, acrílico y polyuretano / 3 x 2 m aprox.

EL PESO DE LAS COSAS (instalación de pared) hace referencia a la industria petrolera peruana que hace poco fue responsable de un derrame de más de 3 mil barriles de petróleo en el río Marañón en el amazonas. Como una medida en la reparación del daño, la empresa Petroperu ofreció a las poblaciones afectadas 20 soles por cada balde de petróleo que recogieran del río. Como consecuencia muchos niños se lanzaron a recolectar baldes poniendo en riesgo su salud. La instalación de pared muestra la exuberancia y la tal vez potencia de la misma selva amazónica. Pero sobrepuestos están estos dibujos de selva en los que tampoco se entiende el revés y el derecho. Personajes pequeños, casi en el olvido, como los indígenas que las albergan observan este desorden. Será que estamos terminando de perder toda conexión con la sabiduría ancestral de estos pueblos donde abunda el agua?

Instalación de pared: El peso de las cosas (The Weight of Things) / 4 dibujos sobre pared (acuarela, tinta y lápiz sobre papel), acrílico y tinta sobre pared / 5 x 4 m aprox.

The Weight of Things 2 / 2016 / acuarela, tinta y lápiz sobre papel / 17 x 24 cm

The Weight of Things 4 / 2016 / acuarela, tinta y lápiz sobre papel / 30 x 40 cm

The Weight of Things 1 / 2016 / acuarela, tinta y lápiz sobre papel / 100 x 120 cm

The Weight of Things 3 / 2016 / acuarela, tinta y lápiz sobre papel / 30 x 24 cm

NINGUNA PARTE, 2016

“La fuerza de la gravedad es una ilusión” - Albert Einstein “Yo creo que la memoria tiene fuerza de gravedad, siempre nos atrae. Los que tienen memoria son capaces de vivir el frágil tiempo presente, los que no la tienen no viven en ninguna parte” - Patricio Guzmán en Nostalgia de la Luz

Mi propuesta para la colectiva "Hacia una nueva orilla" nace de la idea de entender el universo como un lugar inalcanzable. Ese espacio - no espacio que solo podemos intuir en una noche estrellada. La pieza explora la sensación de vértigo que uno siente al comprender que nadie sabe lo que hay más allá del horizonte de sucesos de un agujero negro, ese misma sensación que uno siente al no saber que hay después de la muerte. Ninguna parte busca situar al espectador frente al abismo del horizonte donde la muerte y los límites de la ciencia se encuentran, al borde del universo observable. Mi intención es explorar la idea del horizonte como el límite del conocimiento y a su vez como portal hacia imaginarios ancestrales del más allá.

registro de vídeo de la instalación "Ninguna parte" / 02:18 seconds / esculturas de suelo: resina y acri?lico / escultura: resina, poliuretano, fibra de vidrio, acriílico y máscara de lata del Carnaval de la Virgen de la candelaria de Puno, Perú / audio: sonidos del universo del Voyager I y II de la NASA y “Alabaos” cantos fúnebres afro-colombianos parte de la muestra "Hacia una nueva orilla" curada por Claudia Segura, NC-arte, Bogotá, Abril-Julio 2016 Artistas participantes: Julieta Aranda / Tania Candiani / Adriana Ciudad / Marlon de Azambuja / Regina de Miguel / Víctor Garcés / Cesar González / Alberto Lezaca / Basim Magdy / Mayana Redin / Pedro Torres / James Turrell / Juan Zamora

Ninguna parte es una instalación de recorrido que consta de tres piezas que funcionan como portales. El primer portal es una escultura de suelo hecha en resina y acrílico que alude a un agujero negro rodeado de nebulosas planetarias.

El segundo portal es una escultura en fibra de vidrio, resina y acrílico, de una niña en blanco que está creando los agujeros negros y que tiene puesta una máscara del Carnaval de La Virgen de la Candelaria en Puno, Perú. Estas máscaras son la herramienta clave para entrar en contacto con el más allá. Pese a su apariencia diablesca, caracterizada como “la diablada” por los conquistadores españoles católicos, estas máscaras son originarias de mitologías Inca en honor al Dios Supay, del mundo de abajo. Tanto la rana como los lagartos son considerados parte de este dios relacionado al origen de la vida en la tierra.

El tercer portal es una pieza de audio en el que mezclo sonidos del universo (sonidos del Voyager I y II de la NASA) con los Alabaos afro-colombianos del Chocó en medio de una mural en acrílico que alude a las nebulosas del universo, aquel lugar donde nacen y mueren las estrellas. Los Alabaos son cantados por mujeres en velorios y entierros como parte de una larga tradición en el Chocó. Se dice que estos cantos acompañan a los muertos a encontrarse con sus ancestros en el más allá.

Vídeo Documental: Con este video de Víctor Garcés termina Hacia una nueva orilla, la exposición colectiva de 13 artistas que investigan cuestiones relacionadas con el imaginario del universo. Claudia Segura, curadora de la muestra cuenta el cómo y por qué de Hacia una nueva orilla. A lo largo del video hace un pequeño recorrido por la exposición en el cual los artistas participan revelando la investigación y el proceso de sus proyectos.

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A VEINTE SOLES DE DISTANCIA, 2016

La serie hace referencia a los derrames de petróleo ocurridos en el amazonas peruano en febrero de este año. Después del desastre causado por negligencia de Petroperú, la empresa estaba ofreciendo a las poblaciones afectadas 20 Soles (moneda peruana, aprox. 7 dólares) por balde que recogieran lleno de petróleo. En consecuencia, muchos niños enfermaron.

A veinte soles de distancia / 2016 / acuarela, tinta y lápiz sobre papel / 30 x 40 cm

A veinte soles de distancia / 2016 / acuarela, tinta y lápiz sobre papel / 36 x 48 cm

A veinte soles de distancia / 2016 / acuarela, tinta y lápiz sobre papel / 30 x 23 cm

A veinte soles de distancia / 2016 / acuarela, tinta y lápiz sobre papel / 23 x 30 cm

A veinte soles de distancia / 2016 / acuarela, tinta y lápiz sobre papel / 30 x 23 cm

NEBULAS, 2016

Las nebulosas planetarias son el proceso de muerte de las estrellas en el universo. Los 10 dibujos forman una constelación en una instalación de pared intervenida con acrílico. La pieza busca entablar analogías entre los fenómenos de las nebulosas del universo y los ciclos de violencia del conflicto armado colombiano.

vista instalación pared / acrílico y tinta china sobre pared / 10 dibujos en acuarela, tinta china y lápiz sobre papel

Nebula / 2016 / acuarela, tinta y lápiz sobre papel / 100 x 120 cm

Nebula / 2016 / acuarela, tinta y lápiz sobre papel / 23 x 30 cm

Futuro nebuloso / 2016 / acuarela, tinta y lápiz sobre papel / 19 x 24 cm

DEBAJO DEL AGUA - apéndice, 2016

Esta serie es una extensión de la instalación Debajo del agua, aludiendo a las analogías entre características humanas y las de los hipopótamos.

Debajo del agua - apéndice 5 / 2016 / acuarela, tinta y lápiz sobre papel / 36 x 48 cm

Debajo del agua - apéndice 2 / 2016 / acuarela, tinta y lápiz sobre papel / 23 x 30 cm

Debajo del agua - apéndice 3 / 2016 / acuarela, tinta y lápiz sobre papel / 30 x 23 cm

Debajo del agua - apéndice 4 / 2016 / acuarela, tinta y lápiz sobre papel / 23 x 30 cm

Debajo del agua - apéndice 1 / 2016 / acuarela, tinta y lápiz sobre papel / 36 x 48 cm